与Amy沟通的这半个月来最让我惊喜的是她对于细腻感情的捕捉。她的宇宙不仅仅存在于1、2、3，更是1到2之间的无数的小数点数字。Amy在2023年毕业于英国皇家艺术学院Painting专业。在读书期间，Amy开始专注于自己消极的情绪，其首次伦敦个展 ‘失乐园’ 就是以痛苦绝望的情绪为出发点，让这些坏情绪无限循环，从而去反衬快乐是有限期。“我很看重人们如何看待与反思自己脆弱疼痛的一面，那些令人绝望的情绪大家是如何消化的，是逃避还是从中得到更强大的自己。如何从绝望中看到希望，发现价值。”她这样说，“人活着多数会受罪，是一种负担，也是一种日常。”因此，当我们再看 ‘失乐园’ 时，拨开这一层层红色，不难窥探出她作品里展现的从完整到破碎再到疗愈缝合突破自我的过程。
‘拓展绘画(expanded painting)[1]’是Amy创作的中心“锚点”。意在将创作本身从传统纸笔延展发散至更多媒介。“材料的尺寸不限于画框的大小，甚至可以延伸到整个空间。因此这给予了绘画一种无限的可能性。”她将内心情感与材料连结，在创作过程中用心感受不同材质与身体互动产生的化学反应。“一切由心开始，越近越好。”Amy这样谈道。
让我们印想深刻的是，当问她如何形成个人风格时，Amy这样说：“手不能停，寻找手感的同时也与材料产生关系，寻找与内心共鸣的材料。”而事实上，今天由于有了电脑、AI等新科技的入场，我们几乎可以在几秒钟内生成任何我们指令范围的结果。这种残酷的体系会把人变成工蜂，失去感觉情感的能力，失去同情他人和共情社会的能力。因此我们嘲笑老一代创作者一次又一次为了一条线条、一种色彩而进行的几百甚至是几千次的练习。但这绝不仅仅是单纯的结果问题，这更是一种对感觉的圆熟和捕捉。当问到未来的规划时，Amy表示比起规划她更想先行动起来。“创作过程的新鲜感与惊喜感很宝贵，但愿未来的每一副作品都有足够时间于内心交融，在逐渐创新的前提下达到一个打从心底让自己满意的作品。”我们期待着，Amy未来所收获的所有鲜明或漫漶的真实感受，都能在她日后的创作中化作力量。见字如面，未来可期。
[1] ‘Expanded Painting’ – book by Mark Titmarsh, 2017.
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R:研究生一年带给你最大的转变是什么？
A:要论最大的转变还不如说是最大的挑战。 让自己快速适应新开放式环境下创作，有限的空间与时间。从改变创作习惯到日常作息，灵活有效的面对学校一切有可能会发生的事情。时间久了这种警觉意识会让创作变得困难。虽然缺乏隐私与宁静，但我经常能从身边的伙伴身上学到宝贵的知识。皇艺是一个很有效的平台，在对的时间展现自己最具代表性的作品，能让更多人积极关注到你。
R:你觉得作为绘画者，该如何平衡保留传统技巧和新媒介？
A:我在作品里探讨 ‘拓展绘画(expanded painting)’ 。简单的来说就是布面上不单只有颜料本身的存在，材料的尺寸不限于画框的大小，甚至可以延伸到整个空间。因此这给予了绘画一种无限的可能性。我认为艺术家不该被材料与媒介所受限制，比起去选择定义自己做的是传统技巧还是现代概念，应该先去问自己更与哪一方共鸣。对我来说，对颜料与色彩的热爱与控制欲是极强的，但在视觉效果上平面布面油料并满足不了我对作品的需求，所以从中抽取与替换不同的媒介去达到我脑海里的画面，最终导致了这系列作品的成型。 比如对材料的撕扯跟用笔刷绘画，两者不同手法但一样的重要。 至于平衡嘛，一切由心开始，越近越好。
R:作为艺术家该如何选择合适的媒介，又如何形成个人风格？
A:如果个人风格还未成形的话，我觉得不如从尝试与小实验开始。手不能停，寻找手感的同时也与材料产生关系，寻找与内心共鸣的材料，最后再从不同实验里抽取出最能代自己表语言的因素，再次组合。给自己设规矩与限制，设调色盘，设大小，这些一切小细节都会成为个人风格的一部分。 可惜说起来容易，但实际这是一场持久战。
R:你怎么看待情绪给你带来反映在作品上的力量？
A:一幅作品对于艺术家来说是否成功，是个重要的难题。 对我来说，这个‘成功’的定义可理解为是一种‘突破’或作品的‘完成’。从第一幅成功的作品后，如何延伸到下一副或一系列关联并且有突破的作品。 至今我依旧认为艺术无分好坏，只归纳于观众是否能有共鸣，这个共鸣可以非常主观，不一定要与艺术家表达的想法一致，但这幅画让你感受或联想到了某个情绪与画面，这就是作品的力量。日常中最宝贵的就是某日看画廊走运撞见了自己有感触的展览。作品给予观众的情绪会是开启对作品理解的第二道门，这道门不属于艺术家，也远远超于艺术家的控制。 可遇不可求。
R:你觉得在这么多作品中，哪一幅是对你感触最深的？在创作过程中有什么记忆犹新的点可以和我们分享的吗？
A:我对自己的每一幅作品其实都带有真情实感的。 我的作品们离我的内心很近，她们经常帮助我传递一些隐藏的正负面情绪。我创造了她们，她们就像是我身体的一部分。我在作品里探讨创伤的情绪与伤口的愈合，直面内心的脆弱与恐惧，从中发泄到修护，在绝望的创作情绪中寻找希望。作品材质脆弱易破，但这种被看穿内心跟画框的视角对我来说很有力量。让我记忆犹新的一副作品 ‘exposed’，来自于另一副受损的作品本身，我提取剩下可使用的部分去拓展了一个新的系列。也是从这一张开始给予我使用画布正反两面的灵感。 这幅画最后也成为了我个展的海报背景图。
R:作为一名创作者，如何看待国内外市场的差异？
A:至于这个问题，我还真希望自己回答不上来。 我在英呆了快9年了，我对伦敦艺术市场的认可是毋庸置疑的，这边对艺术的尊重于认真的态度使得这边奋斗的年轻艺术家更多机会，加上大量的学校资源与画廊，让这个竞争极强的城市里依然能看到作品能被关注的希望。国内也有做的跟海外接轨的优秀画廊，但我还在慢慢了解国内的市场。说句心里话，跟画廊合作多了很难不去想市场与商业性上的运作， 一方面我觉得是需要了解的，但我会限制自己不去知道太多。因为我希望自己能纯粹的创作，我的作品生而为我而不是为他人。纯艺也不该为他人量身定做。一旦知道自己哪种风格的话更市场欢迎，一不小心就会被市场控制。 在这方面我会很小心地处理。
R:写一写你被邀请去办展的经历和感受
A:有幸能在伦敦拥有一场个展，我真心觉得有被上天眷顾，无比幸运且记忆铭心。 第一次个展集齐了我在伦敦两年的心血，一共20幅作品，皇艺的一年加上毕业后的一年。 当知道作品们可能会飞往世界各地脱离我的手掌心的时候，其实很不舍得。像这种新鲜的情绪有很多。 如果以后有机会能为一个场地布展创作，我想一定会很有趣。 希望未来可期。
R:最让你意外的观众反映是什么样的？
A:年前solo的时候，有幅挂在画廊窗外的画。我朋友跟我说我作品她看起来像一颗琥珀， 哇这一下点亮了我。 这幅画 ‘i’m burning for no one’乍一看是全红的，但其实画布的前后各有一层， 布面上油料，画框下有藏着我的毛毡材料，加上布料本身是透光的，所以能隐约的看到里面的细节。单看照片或不走近看的话不容易看出来。 琥珀一词让我联想到时间的延续与存留,仿佛我的作品已存在了几百万年，这打动了我。 同时我也很看重’时间‘这个因素在我作品的用意。
R:你未来有什么计划吗？
A:有些事情，我怕说出来后就不会去做了。 创作过程的新鲜感与惊喜感很宝贵，但愿未来的每一副作品都有足够时间于内心交融，在逐渐创新的前提下达到一个打从心底让自己满意的作品。既然这个系列创始于伦敦，我也希望能在这个城市延续下去。伴随着陈丹青的一句让我铭记的话语：“最后起作用的还是爱”，去热爱世界。